正文
这当然是没有问题的。就如同我在文章的最开始提到的，人类只要还是依靠大自然生活，那么它将必然地亲近温暖，和谐，生机勃勃，熟悉的东西。绘画艺术和胶片影像一共为我们人类服务了一千多年，它所形成的，已经具备潜移默化作用的美学模式，不可能也不应该现在被人们放弃。从这一点上来看，数字影像和胶片影像的趋同，没有什么不对的。
不过，如果大家还记得我提到的印象派绘画时的感慨的话，那么一定明白我们当然不能停滞于此。印象派之后，革命性的绘画理念，诸如抽象主义，立体派，后现代派等等，已经远远超越了普通人的审美能力，进入了评论家所谓的，但是每一个人肯定有，但是并不意味着随时可以感知到的潜意识深度。从视觉艺术的探索来看绘画早已甩掉电影很多年了。
最早一批开发数字影像独特空间的人，并不是那些功成名就的摄影师，相反他们反而不是这一种冲动最主动者。发挥数字影像特有魅力的努力，自我看来并不是如何将数字影像如何做得更细腻，更柔和，更真实，更浪漫。因为这样的努力依然是为了接近胶片。真正的方向可能是：研究数字影像的物理特性，改变美学思维，创造全新的审美方式。
这听起来很动听，而且实现起来很困难，但是绝对不是没有可能的，而且令人兴奋的是已经有人开始了。
从空间和时间上，数字影像都具备彻底革命的潜质。
从空间上来看，由于理论上数字技术可以未来发展到6K，8K，16K甚至更高，画面的数据量将无限地大，那么几乎可以肯定地说两点：第一，对真实世界的物理还原将是数量级地增长，以至于超越了人眼，人脑可以接受和评估的范围很多很多，只要开发商愿意。第二点，由于数据量的无限制增加，观众可以讲由数据组成的故事按照自己的意愿进行分割，仍以选择消费，不管他把它们多细。
对于第一点来说，我无法预测未来会发生什么具体的事情，但是有一点目前已经开始显露。一种新的关于电影画面美学的主张已经显露出来：质感即美感。
如何解释这一个看起来简单的观点呢？ 质感一直就是一种美感，但是对于电影画面来说，很久以来，质感只是某种美观的服务对象。但是过去我们在电影院看电影的时候，无论多好的影调都无法做到第一排的观众满意，因为离银幕越近，观众看到的影像越模糊。因为电影胶片底片的清晰度时3.5K，正片的清晰度就已经降到2K，甚至更少。当银幕越大的时候，观众在一个固定的视角范围内的清晰度就越低。这种模糊的影像一定时间内可能没有影响到电影的情绪表达。但是如果突然在银幕上出现4K或者以上的影像，其高度的逼真性，绝对可以震撼观众，因为他们从来没有见过如此清楚的画面。尤其是当画面被放大到IMAX级别，依然保持着无比逼真的细节，那么毫无疑问，这种逼真的画面本身就是一种视觉奇观。关于第二点，现在正在兴起的VR，正是这样的最直接的探索。
数字影像目前处于一个比较尴尬的局面。它没有自己独特的形式。我们来看看下面的几张图片。
相信从纯粹的视觉美感上来看，大多数人会觉得第一张油画显得更有魅力，这是必然的，因为浓郁的色彩，质感十足的笔触，经典的明暗关系和浪漫的画面风格都符合传统人们的美学习惯。第二张是电影《苔丝》（1978年）的剧照，基本上还是遵循着传统的模式，做得非常好。最后一张是2012的电影《OBLIVION》（SONYF 65）。这一张从某种意义上说最符合人眼的视觉经验。明亮的阳光，穿透空气，如实地反映了皮肤和金属，玻璃。我不能把这样的画面简单地称之为美观，因为它已经不再是传统意义上的美观了。首先在《American Cinematograher》杂志上，该片的摄影师克劳迪奥就曾经说过：“我们希望拍摄一种明亮的，干净的科幻片”。 这部电影是一部风格迥异的科幻题材电影，它在很多方面的确放弃了美国科幻片常见的阴暗，肮脏，凌乱的传统（诸如《异性》系列，《终结者》系列，等等），转而追求一种真正的未来感，即冷漠，整洁和明亮。影片的影像风格的确做到了这一点，是近几年来为数不多的佳作。
它首先非常直接地使用了巨大的，穿透力非常强的日光效果（很多场景其实是在摄影棚里完成的），让所有的东西暴露在强烈和清澈的白光之中，表现出一种异样的质感，一种“圣洁下的冷漠”。数字摄影机索尼F65非常好的完成了这个任务，保留了非常丰富的高亮度下的细节，配合FUJINON 变焦镜头完美的解像力，营造出了这样的一种“style fo scientific ” 不管别人如何理解，至少我觉得，克劳迪奥摆脱了常见的科幻电影的窠臼，真正地让质感本身成为了一种美学载体。
我们再看看这样几张图片。
把图片放在这里，并非说明我只是一个汤姆·克鲁斯的影迷，而是想说明，在《OBLIVION》的整体视觉美学体系中，光影并不是最重要的东西，而是质感。它用4K的清晰度，明亮的光线，在银幕上呈现出极具逼真的质感，让观众在电影院的银幕上体验无力伦比的视觉享受。仅仅因为质感而已。所以我说，现代电影进入数字时代之后，数字光电耦合器取代胶片之后，它的影像模式虽然没有整体上走出传统的束缚，但是还是有一些电影进行了不懈的探索。克劳迪奥和他的《OVBLIVION》走到前面。
数字摄影机所记录的文件格式和以往胶片时代有非常大的不一样。比如拿常见的RAW文件为例，你几乎不可能在拍摄现场看到它实际记录的文件内容，而是通过各种间接的手段，诸如LOG_C，LUT709，或者S_LOG方式来观看。但是你看到依然不是它最终“可能呈现”的东西，而是一个“最接近可能呈现“的东西。与胶片样片所见即所得完全不同的是，这种方式为摄影师后期提供了很多的可能性和更大的空间。但是，与大多数人所理解的不同，它与其说它解放了摄影师，不如说它可能让摄影师陷入了无所适从的境地。因为对一个还没有想好的摄影师来说，艺术的可能性太多了。
如果你去问一个十八岁的少年：胶片的影像和数字的影像有什么不一样，十之八九你得到这样的答案——哦，胶片的影像？两者有什么不一样吗？如今电影的观影主题，大多数是手持IPAD长大的，从一开始他们就接触的数字影像，即便是观赏当年用胶片拍摄的电影，也是经过数字格式转换而来。真正在银幕上观赏原始胶片正片放映影像，实在是难得。在这一个角度来说，讨论数字与胶片影像的优劣显得实际意义不大。那么真正有意义的话题是什么呢？在我看来，应该这样去设问：未来的电影影像模式，应该是什么样的？
从过去的历史来看，观众本身并没有主导电影影像模式的发展方向，甚至不是艺术家本身，反而电影的科技革新者引领了几乎每一次的电影“革命”，无声到有声，黑白到彩色，胶片到数字，平面到立体。我所理解的原因在于，任何一种艺术的过程基本上都是探索——形成——实践——超越——否定——再超越——重复等。这样的过程无疑是长期性的，几乎可以跨越几十年的历程。但是现代社会的科技进步却是加速前进和几何级数增长。带有商业盈利目的和自身产品竞争压力的外部因素，使得企业家不可能等这么长的时间。而每一次技术的革新最直接的体现在影像构成的具体层面，这样引起了摄影师们的关注，自然而然，革新的技术便附加了“艺术”的糖衣。
以上是我个人前一段时间完成的短片《创世纪》中的两个画面。它使用了数字摄影机SONY CineAlta F65拍摄。这款摄影机曾经拍摄过《EX machina》和《Oblivion》等不少科幻题材电影。我不能说它是一款专门用于拍摄科幻题材的电影，但是这一款摄影机的确有与众不同的影像风格。首先它放弃了传统追求胶片浓郁，柔和的影调，而是呈现出透亮，淡雅，Plastic style 风格。即便是暖调画面，我们依然感觉到里面的金属的质感。这和一般来说追求胶片油画般的色彩，颗粒感十足的风格有比较大的差异。在这里我没有去评价的意味，但是这种不同风格的倾向，可能比较适合这个科幻题材短片的那种疏离，忧伤和飘渺的味道。
虽然和美国科幻巨片《Oblivion》同属科幻题材，也“竟然”使用了同款的数字摄影机，但是《创世纪》却没有重复影像风格。总体上说，我希望影片的影调偏暗，但是在“暗中却有更暗”的东西。在画面质感上，希望画面显得更加“未来”，一种不真实的色彩还原。从本质上说，刻意营造那种“非电影”感，造成某种与熟悉的东西疏离，进入故事本身所构造的“未来”。
只是一次并不一定成功的尝试，但是对我来说迈出了重要的一步：如何走出传统的窠臼，向未知，甚至是大家所暗示的“歧途”中探索。但是这却是一种变革的懵懂。
